Cuando intentas dominar el arte de dibujar y dibujar, hay muchas cosas que debes tener en cuenta. En el último libro de 3dtotal Publishing, 'Masters of Sketching', 20 increíbles artistas te explican su proceso de creación de un boceto, brindándote información invaluable sobre su forma de trabajar y ofreciéndote empoderadoras palabras de motivación. Aquí hay 10 consejos de dibujo que le ayudarán a aportar una nueva perspectiva a su proceso creativo…
01. Está bien ser desordenado
Ilustración de Christina Mrozik
“Dado que dibujar es un lugar para el juego creativo, tiendo a dejar que el proceso se vuelva un poco complicado”, dice la artista e ilustradora Christina Mrozik. “A veces, las líneas perdidas pueden provocar accidentes maravillosos: salen a la luz nuevas ideas que se suman a la narrativa del boceto. Deja que tu cerebro y tus manos se vuelvan un poco locos y agrega algunas líneas que no tienen sentido o elementos que no pertenecen; a partir de ahí puedes pensar en formas de adaptarlos. Esta no es una pieza renderizada final; es simplemente una plataforma para desarrollar ideas”.
02. Es bueno pensar en el panorama general.
Ilustración de Tom Fox
“Ya sea dibujando en una servilleta o produciendo un dibujo académico, tomas miles de decisiones a lo largo del proceso”, explica el artista conceptual y de historias Tom Fox. “El efecto que estas elecciones tienen en tu trabajo normalmente se reduce a lo largo del proceso de boceto.
“A medida que te involucras más en una parte del trabajo, tanto emocionalmente como en términos de tiempo, hay una tendencia a tener miedo de hacer cambios significativos y, en última instancia, dejas de concentrarte en el panorama general. Por esta razón, es esencial comenzar mirando el panorama general y pensando en la composición y la forma por encima de cualquier otra cosa”.
03. No tienes que dibujar al mismo tamaño que tu cuaderno de bocetos.
Ilustración de Kikyz1313
“Encontrar el formato correcto es una parte muy importante de mi obra de arte”, dice el artista Kikyz1313. “Tengo en cuenta las herramientas y técnicas que utilizaré para determinar cómo se verá tanto en formato grande como pequeño. Un formato grande no es adecuado para algunos tipos de contenido narrativo porque el resto de la imagen puede desviar la atención del espectador de la narración.
“Del mismo modo, un formato pequeño no es adecuado para trabajos muy detallados. Para este boceto usaré un formato pequeño, largo y estrecho; quiero que centre toda la atención del espectador en el retrato. También haré uso de elementos secundarios. para ayudar a que el retrato se destaque”.
04. Las manos también pueden transmitir emociones
Ilustración de Annie Stegg Gerard
“Las manos y los ojos son a menudo los mejores indicadores de lo que hace un ser humano”, explica la artista plástica Annie Stegg Gerard. “Ayudan a impulsar la narrativa, transmitir emociones e intenciones y describir quién es el personaje y qué está haciendo. Una mano contorsionada muestra dolor o angustia, mientras que una mano relajada transmite paz. En este dibujo quiero ilustrar una escena tranquila, así que practico dibujar una mano más relajada”.
05. Las líneas no siempre son líneas
Ilustración de Sean Layh
Como señala el talentoso pintor al óleo Sean Layh: “Las líneas no existen en el mundo real, sólo la ilusión de ellas. Lo que quieres replicar dentro de tu imagen es el contraste tonal entre los objetos. La ligereza de un objeto contrastada con la oscuridad de otro simulará la 'línea'”.
06. La variedad es buena, pero la familiaridad también es importante
Ilustración de Eduardo Vieira
El ilustrador y diseñador de personajes independiente Eduardo Vieira sugiere: “Ser versátil es genial, pero acostumbrarse a algunas herramientas y flujos de trabajo específicos puede ser igual de útil. Recomiendo familiarizarse con sus herramientas, experimentar y explorar sus usos potenciales. Esto le ayudará a aprender qué herramientas utilizar en diferentes situaciones. Tiendo a trabajar (¡mucho!) con herramientas tradicionales, experimentando y aprendiendo cuáles son sus fortalezas y debilidades para saber qué marcas producen. En particular, utilizo una selección de bolígrafos, rotuladores y rotuladores”.
07. Debes aprender las reglas antes de romperlas
Ilustración de Abigail Larson
“Como artistas, somos notorios por romper las reglas”, dice la ilustradora independiente Abigail Larson. “¡Pero no olvides que para romper una regla, primero tienes que aprenderla! No subestimes la importancia de una práctica rigurosa en tu tema; te ayudará en el futuro y evitará que te frustres con un dibujo que no se ve del todo bien. Si tienes problemas para dibujar manos, tómate el tiempo para dibujar al menos diez manos en varias posiciones todos los días y pronto podrás dibujar. ellos más rápido y con más precisión”.
08. Las siluetas son clave
Ilustración de Sam Wolfe Connelly
“Ya sea que uses una pieza de referencia o no, es importante considerar siempre la forma de la silueta”, dice el pintor e ilustrador Sam Wolfe Connelly. “Tener una silueta fuerte contribuye a una imagen y estructura más interesantes; Quieres poder modificar estos bordes lo antes posible para no tener que modificarlos hacia el final cuando hay muchos más detalles involucrados en la pieza”.
Ilustración de Mike Corriero
El ilustrador y artista conceptual independiente Mike Corriero nos recuerda que “el grosor de la línea es un aspecto muy importante de cualquier boceto. Utilizo un tono más oscuro y líneas más gruesas para las formas que quiero resaltar, mientras que otras áreas son muy claras con líneas sueltas. Esto ayuda a distinguir lo que es importante y proporciona un poco de profundidad y división al dibujo”.
10. Dibujar es algo para saborear
Ilustración de Jeremy Mann
Por encima de todo, deberías disfrutar dibujando. Como afirma maravillosamente el artista Jeremy Mann: “Dibujar es la poesía de las imágenes: se toman notas breves, dulces y conmovedoras de la vida para alimentar el alma y ejercitar la conciencia de las cosas que se pierden en los destellos”.
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