En lo que a mí respecta, colorear cómics es el mejor trabajo en el mundo del arte, porque se inclina en gran medida hacia la parte divertida del arte: la narración. En este artículo, te explicaré mis principales consejos para agregar color a dibujos en blanco y negro para darle vida a tus diseños de paisajes y personajes.
El color puede ayudar a ampliar el alcance de un cómic, convirtiendo cada viñeta de un dibujo bidimensional en una ventana a un mundo rico y lleno de matices. El color de esos paneles puede fluir en conjunto para marcar el ritmo, como una canción. Comenzaré respondiendo algunas preguntas clave, antes de compartir algunos consejos para aprovechar al máximo el color. Si buscas consejos de dibujo, echa un vistazo a nuestro artículo sobre cómo crear una página de cómic.
¿Por qué utilizar el color en el cómic?
Esto puede parecer una pregunta tonta, pero vale la pena pensar en los beneficios que el color puede aportar a una ilustración que el blanco y el negro no pueden aportar. El color puede transmitir cosas como el estado de ánimo, la hora del día, el cambio de escena, los planos de la imagen y la profundidad de campo.
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El color puede ser una excelente taquigrafía visual para ayudar al lector a comprender lo que está sucediendo, sin abrumarlo con diálogos o tener que dibujar absolutamente todo en una escena. Algo tan simple como un fondo amarillo y sombras azules pueden indicarte que está amaneciendo.
¿Qué software debo utilizar?
Hasta hace poco, Photoshop CC era el software de facto utilizado para colorear cómics, pero Clip Studio Paint ha ido cambiando eso. El recorte es mucho más rápido con algunas tareas como la colocación de colores planos, principalmente debido a su configuración avanzada de tolerancia del cubo de pintura que atrapa automáticamente y detecta espacios entre líneas al rellenar formas entintadas. ¡Un gran ahorro de tiempo!
Dicho esto, sigo prefiriendo los pinceles disponibles en Photoshop para renderizar. Más allá del escritorio, a veces también trabajo en mi iPad Pro usando Clip o Procreate. ¿No estás seguro de qué aplicación es la adecuada para ti? Eche un vistazo a nuestra guía del mejor software para artistas digitales.
01. Comienza con colores planos
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Colocarse en pisos es un paso estándar para los coloristas en la industria del cómic estadounidense. El aplanamiento es el proceso en el que formas planas, contiguas y con alias se colocan en una capa separada del arte lineal para permitir seleccionar áreas al renderizar.
Como la mayoría de coloristas, suelo subcontratar este paso a un alisador profesional para ahorrar tiempo. Una vez que recupere un lote de pisos, los revisaré todos con un cubo de pintura para cambiar los colores base en consecuencia.
02. No uses demasiadas capas
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He visto a coloristas usar docenas de capas de Photoshop en una página. Me resulta difícil hacer un seguimiento de tantos (léase: creo que es una locura), por lo que normalmente me limito a tres o cuatro. Esto generalmente consistirá en mis pisos, un duplicado de esos pisos para renderizar y una capa con mis líneas. Limpio y sencillo. Podría tener una o dos capas para retención de color (arte lineal de color) y/o brillos y efectos de iluminación, pero eso es generalmente todo.
03. Decide tu estilo de pintura.
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Al utilizar un Lazo con alias o la herramienta Lápiz, puedo renderizar en un estilo de color plano “anime” que es fácil de editar con el Bote de pintura. Usar un aerógrafo o pinceles pictóricos puede ser más expresivo artísticamente, pero hace que los cambios requieran más tiempo. Sin embargo, tener la capa plana como respaldo para la selección de cada forma facilita la edición. Ambos estilos tienen ventajas y se pueden combinar. A menudo pinto mis fondos y uso formas planas para los personajes. O podría dejar las sombras planas y renderizarlas en las áreas resaltadas.
04. Considere cuántos detalles incluir
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Un estilo hiperrealista y detallado puede agregar peso a una historia a través de arena, textura, rastrojo, etc., mientras que un estilo simple puede permitir al lector llenar mentalmente algunos espacios en blanco y acelerar la experiencia de lectura, sin tener que trabajar con un exceso de detalle.
Una representación más simple puede permitir toques de color más expresivos. No estoy tratando de subestimar los detalles aquí. El detalle añade gravedad y eso cuenta mucho. Hay ventajas y desventajas en omitir detalles, y tarareo y hablo sobre las opciones de renderizado cada vez que empiezo un nuevo trabajo.
05. Añade algo de personalidad
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A muchos coloristas, tanto veteranos como novatos, les preocupa que su color se desvanezca en el fondo para dejar que el arte lineal brille. Realmente no me suscribo a esta escuela de pensamiento. ¡El arte colaborativo debe ser colaborativo! Espero que mi trabajo sea reconocible independientemente del estilo de renderizado que use, a través de mis elecciones de color y el tipo de formas que uso en mi renderizado.
El arte colaborativo es como estar en una banda. Cada uno debe aprovechar sus puntos fuertes y mostrar su estilo personal. De lo contrario, el arte que hacéis juntos se vuelve aburrido.
06. Usa el color y la forma para contar una historia.
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El color puede ser una excelente manera de dirigir la mirada del lector a través de líneas de sombra, patrones de color y similares. Mientras los personajes principales y la acción hacen lo suyo en la página, puedo reforzar sutilmente la línea de los ojos y dirigir la acción sin golpear a la gente en la cabeza con ella. En el caso de esta página de LOW, he usado una tríada de formas rojas para atraer rápidamente la atención hacia nuestros héroes, a pesar del caos del resto de la imagen.
07. Crea estado de ánimo con tus opciones de color.
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Intento usar colores para ayudar a respaldar la historia. Hay muchos estándares, como los tonos azules o desaturados que sugieren tranquilidad o melancolía, mientras que el naranja o el verde pueden indicar sustancias químicas tóxicas en el aire. Un rojo saturado advierte de un peligro inminente.
La taquigrafía de color como esta puede ser una excelente manera de ayudar al lector a comprender lo que sucede más allá y entre los paneles, y ayudar a separar escenas. Si estoy trabajando en un proyecto más largo, crear señales de color personalizadas (y ceñirme a ellas) también puede ser una excelente manera de diferenciar la construcción del mundo de ese proyecto del resto.
08. Usa valor para crear planos y siluetas.
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Tiendo a utilizar valores oscuros y desaturados para un plano y valores claros y saturados para otro. Sacar cosas de esos planos en un tercer rango de valores con el mayor contraste posible ayuda a enfocar la vista en el sujeto del panel. Estos valores no necesariamente tienen que ser de diferentes tonalidades.
A menudo encuentro que cuando la gente piensa en el color, se centran demasiado en el tono y se olvidan del valor. En lo que a mí respecta, el valor es el elemento absoluto y más importante de un color, después de la saturación y el tono.
09. Revisa tu página en escala de grises.
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Photoshop facilita la comprobación de mis valores. Si estoy trabajando en algo con planos complicados y superpuestos, abriré una nueva ventana y cambiaré la configuración de prueba a Gris. Esto me permite trabajar en el archivo de color mientras obtengo comentarios en tiempo real sobre mis valores en esa segunda pestaña. Para páginas menos complejas, solo usaré una tecla de acceso rápido para cambiar al modo de prueba de grises desde la vista normal de vez en cuando para mantenerme bajo control, asegurándome de que los rojos brillantes, entre otros colores, no desvíen el valor.
10. Limita tu paleta de colores
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Intento ceñirme a las opciones de valores y limitar mi paleta de colores a lo necesario para contar la historia. El color debe tener una razón para estar ahí, y si algo no es clave, a menudo ayuda a la historia usar valores en algún color neutro en lugar de tonos para ayudar a que se hunda en el fondo. Cuanto más simple mantengas tu color, más impacto tendrá el cambio de color, ayudando al lector a comprender que algo importante está sucediendo.
11. Expande el lienzo a través del color.
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Puedes implicar todo un mundo fuera del panel con el color, que es una de mis partes favoritas de ser colorista. Tiendo a pensar mucho en el entorno en el que se desarrolla una historia. ¿De qué materiales están hechas las cosas? ¿Qué tan polvorientos están? ¿Cuál es la posición del sol en el cielo? ¿Cuántos minutos, horas o segundos han transcurrido desde el último panel? ¿Hay alguna luz encendida fuera del panel? Me hago preguntas como ésta todo el día. No se trata sólo de colorear lo que puedes ver en la página.
12. Toma notas antes de comenzar.
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Tomo notas sobre un guión antes de comenzar un tema: marco la hora del día, los cambios de escena y los ritmos emocionales. Haga esto con anticipación si no tiene mucha obra de arte y necesita comenzar de todos modos.
Dicho esto, si el tiempo lo permite, puede resultar útil mirar todos los colores planos juntos para un libro, para asegurarse de que la “musicalidad” de ese color funcione. Construir temas, llevarlos a diferentes escenas, tal vez usar colores pop para enfatizar elementos importantes de la historia. Estás llevando al lector a un viaje colorido, ¡así que haz que lo disfrute!
Este artículo se publicó originalmente en ImagineFX, la revista para artistas digitales más vendida del mundo. Comprar número 160 o suscribir.
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