En este taller, le mostraremos cómo crear retratos surrealistas utilizando sus propias fotografías, modelos 3D y pinceles personalizados. El taller utiliza ZBrush y Keyshot para crear modelos y renderizados 3D. La mayor parte de la forma y composición de la imagen se crea en Photoshop con combinaciones de imágenes, texturas y pinceladas.
Pero, ¿qué es exactamente el retrato surrealista? Bueno, el surrealismo es una forma de arte que se basa en los sueños y el subconsciente, y abarca desde representaciones oníricas de objetos cotidianos hasta cosas absolutamente extrañas. El retrato surrealista combina el mundo consciente (es decir, el tema del retrato) con las formas, colores y símbolos alucinatorios del mundo inconsciente. El resultado es una estética única e interesante con base en el mundo real.
¿Cómo funcionará el proceso?
01. Encuentra inspiración
(Imagen: © Ken Coleman)
Mi hijo Luke se ha convertido en una de las principales inspiraciones de mi trabajo personal y, a menudo, le fotografío temprano en la mañana, cuando el pelo de la cama y la luz de la mañana forman una gran combinación. Los elementos principales que utilizo para comenzar uno de mis trabajos personales son un tema fuerte, fotografías de archivo de accesorios, elementos abstractos en 3D e imágenes de texturas y partículas que creo yo mismo.
02. Prepara tu imagen
(Imagen: © Ken Coleman)
Elijo una imagen y uso el complemento PortraitPro para ahorrar tiempo en la edición de máscaras. El proceso de gradación que uso en todas mis imágenes es duplicar la capa, luego Imagen>Desaturar en esta capa superior, seguido de Enfocar> Máscara de enfoque al 150 por ciento a 1,5 píxeles. Configuré esta capa en Luz suave para darle más profundidad y sombras a mi imagen. Fusiono estas dos capas, luego, usando el filtro Camera Raw, aumento la claridad y las sombras y reduzco las luces y el blanco.
03. Crea algo de 3D abstracto
(Imagen: © Ken Coleman)
Abro ZBrush y selecciono la forma de espiral básica. Presiono T para Transformar para convertirlo en un modelo 3D y, usando el menú Inicializar, manipulo la forma para que parezca algo orgánico. Cuando estoy satisfecho con la forma, la convierto en una forma Polymesh 3D. Luego esculpo esta forma usando el pincel Snake Hook con Sculptris habilitado y una combinación del pincel Fracture y las herramientas Creature para crear formas orgánicas abstractas.
04. Renderizar el modelo en KeyShot
(Imagen: © Ken Coleman)
El siguiente paso es incorporar este modelo a KeyShot. Esto se hace seleccionando Menú de renderizado de ZBrush>Disparo de tecla y luego presionando el botón BPR. Esto abre el modelo en Keyshot, que renderizo con estos materiales: Red Clay, Blue White Rim y GoZBrush Human Skin. Luego, estos tres materiales se procesan como archivos PSD y se combinan en un archivo PSD en Photoshop.
05. Textura usando nodos de fusión.
(Imagen: © Ken Coleman)
Combino los tres materiales usando el modo Luz suave con Red Clay como capa base. Luego se fusionan en una capa. Selecciono Imagen>Ajuste>Curvas e Imagen> Autocolor para lograr los tonos correctos. También menciono el detalle y el brillo en una capa duplicada con Filtro> Filtro Camera Raw. Las partes 3D pueden texturizarse en la composición o aplanar el modelo 3D y luego agregar texturas, nuevamente con un modo de fusión Luz suave. Al agregar un fondo blanco y aplanar la imagen, el render 3D se puede recortar con la Varita Mágica, de modo que el render y las texturas estén listos para la composición.
06. Inspírate en tu herencia
(Imagen: © Ken Coleman)
Utilizo la herramienta Lazo con la Varita Mágica para recortar la cabeza y colocarla en el lienzo del proyecto. Luego empiezo a construir la forma general utilizando modelos 3D abstractos combinados con mis propias texturas y fotografías. En este caso he optado por utilizar mis fotografías de artefactos colombianos, porque Luke es mitad colombiano y mitad irlandés. Utilizo pinceles de textura y Filtro>Desenfocar>Desenfoque de superficie para pintar la piel. También utilizo el complemento AKVIS OilPaint para ayudarme a guiar mis pinceladas.
07. Construye la composición.
(Imagen: © Ken Coleman)
Una vez que estoy satisfecho con el diseño general y la combinación de capas, texturas combinadas y pinceladas, presiono Archivo>Duplicar para hacer una copia del proyecto. Realizo múltiples iteraciones y, a menudo, tomo partes de diferentes versiones para construir el compuesto final. Fusiono las capas para crear el retrato, pero fusiono el fondo por separado. Esto me permite hacer un Alfa o Plantilla del tema para copiarlo y pegarlo nuevamente en otras versiones.
08. Pinte sobre la imagen preparada.
(Imagen: © Ken Coleman)
Para preparar mi imagen para Corel Painter. Duplico la capa del sujeto dos veces y hago lo mismo con las capas de fondo. Luego guardo este archivo con el mismo nombre de proyecto pero con 'PAINTER' al final del nombre del archivo para saber qué versión abrir en Painter para mezclar.
09. Rompe la imagen
(Imagen: © Ken Coleman)
Utilizo una combinación de solo tres pinceles predeterminados de Corel Painter para comenzar a dividir mi imagen, de modo que parezca una pintura abstracta creada con espátulas. Estos se encuentran en la paleta Pincel. En el menú Pinceles de Blender utilizo Fractured Blender y Stencil Oily Blender, y establezco algunas líneas con el pincel Spring Concept Creature que se encuentra en la carpeta Pinceles de partículas. Satisfecho con mis capas abstractas, vuelvo a Photoshop para perfeccionar estos elementos.
10. Enjuagar, lavar, repetir
(Imagen: © Ken Coleman)
Este viejo dicho resume mi proceso. Puedo terminar con de tres a seis iteraciones de la misma imagen. A menudo mantengo una como imagen maestra y luego, usando la herramienta Lazo y Máscara rápida en Photoshop, corto partes de cada una y las combino en una imagen maestra. También agrego más texturas y objetos 3D para superponerlos y mezclarlos con la imagen. También reduzco el tamaño del sujeto en un 30 por ciento.
11. Usa la simetría y la abstracción cuando estés parado.
(Imagen: © Ken Coleman)
Hago una copia de la imagen, la aplano, duplico la capa y la volteo sobre sí misma. Usando modos de fusión como Aclarar y Oscurecer, muevo la capa superior sobre la inferior para encontrar formas abstractas. Los fusiono y los copio en nuevas capas y recorto las partes interesantes. Estos se colocan y se vuelven a colocar en la copia maestra para ver qué funciona.
12.Haz ajustes de color
(Imagen: © Ken Coleman)
Guardo una copia como una nueva versión, antes de fusionar todas las capas del sujeto y el fondo por separado y crear un nuevo Alfa/Plantilla. Usando esta plantilla en una nueva capa configurada en Luz suave, pinto algunos bordes oscuros para darle a la silueta un borde más fuerte. Esto añade una nueva capa de profundidad a la composición general. Luego, en una nueva capa, dibujo líneas más finas sobre el tema.
13. Agrega los elementos finales de la foto.
(Imagen: © Ken Coleman)
Me alejo de la imagen por un día y vuelvo con ojos nuevos. Decido reducir el tamaño del cuello. Luego agrego un brillo de borde debajo del cuello en una nueva capa usando la herramienta Lazo y aplico un degradado naranja configurado en el modo de fusión Pin Light. Recupero los elementos fotográficos para potenciar el detalle y el aspecto cultural. A medida que la pieza se acerca a su fin, decido crear una copia más. Corté la imagen nuevamente usando las capas de plantilla originales de otro archivo. Reduzco el tamaño del cuello, agrando ligeramente la cabeza y agrego Grá, que en irlandés significa Amor escrito en Ogham. Esto equilibra los símbolos culturales y la pintura está completa.