El mío es un estilo bastante impresionista de técnica de pintura de acuarela, donde el detalle es menos importante que una composición sonora, buen ambiente y un poco de brío y franqueza.
De esta manera, trato de capturar el sentido general de un lugar, al mismo tiempo que permito que el medio brille. Pinto al aire libre – “en plein air” – tan a menudo como puedo, ya que me gusta interpretar la vida con las influencias del clima, los sonidos y los olores, y la compulsión de trabajar rápidamente. Sin embargo, trabajar a partir de fotografías permite reflexionar un poco más, añadiendo un elemento diferente de creatividad y diversión al proceso.
Aunque esta escena era soleada, había un fuerte viento que habría soplado sobre mi caballete, así que caminé alrededor de la escena, tomándola desde diferentes ángulos, hacia la luz, lejos de la luz, grabando tantas composiciones potenciales como fuera posible. .
¡No te preocupes por el resultado al pintar, concéntrate en el proceso!
Tomar muchas fotografías le brindará algunos datos sobre un lugar. A partir de ahí puedes tomar o dejar lo que necesites para crear una pintura que funcione en sus propios términos. Utilice una “licencia artística” para mover o excluir elementos, cambiar colores, etc. Es un proceso divertido y verás que incluso las fotos “malas” pueden resultarte útiles.
En las etapas que sigo, la pincelada se realiza con rapidez, teniendo en cuenta algunos aspectos importantes de la referencia fotográfica pero no restringida por ella. ¡No te preocupes por el resultado al pintar, concéntrate en el proceso! Disfrutar de tu pintura trae buenos resultados.
01. La foto de referencia
Las fotos son una referencia útil, pero siéntete libre de ser creativo con ellas.
La foto tiene un ambiente agradable, típico de la playa de Aldeburgh. Me gusta la composición en general porque tiene profundidad. La mirada es conducida dentro y alrededor de la escena mediante una serie de zigzags virtuales, desde el primer plano hasta la distancia. El cielo es interesante y será divertido pintarlo. Hay algunos colores brillantes que podemos aprovechar al máximo y algunas cosas que podemos cambiar… Diviértete con la “licencia artística” para mejorar las fotos. Modifique la composición, el contraste o los colores, según sea necesario, para darles vida.
02. Creando un boceto de trabajo inicial.
Los detalles se reorganizan para proporcionar un punto focal.
Primero, creé un pequeño boceto en acuarela. Para iluminar la escena, probé un cielo más soleado. También aumenté el tamaño del barco principal, moví las cestas de cangrejo hacia la izquierda y agregué un par de figuras junto al barco distante, para crear un punto más focal. También cambié ese barco por uno oscuro para que destaque. Finalmente puse todo el fondo bajo la sombra de una nube. Esto podría funcionar, pero el cielo podría contribuir más. ¡Vamos a por ello!
03. ¡El cielo apasionante!
El cielo se apaga rápidamente con carácter.
Dibujo una línea de horizonte con un lápiz suave 8B. Habiendo mezclado mucha pintura para los colores del cielo, me sumerjo directamente. Primero lavo un poco de rojo claro cerca de la parte inferior de forma aleatoria con el cepillo mediano. Usando mi cepillo grande cargado con French Ultramarine, puse secciones de cielo azul. Muevo el pincel rápidamente para cubrir el papel, mirando la foto en busca de inspiración pero sin copiarla de cerca. Es el carácter general al que aspiramos.
04. Trabaja rápido con energía
No tengas miedo de dejar que el papel blanco brille
Teniendo cuidado de dejar un poco de papel blanco donde le da el sol, agrego una mezcla grisácea de rojo claro, ultramar francés y un poco de rojo indio (para variar) para las partes sombreadas de las nubes. Esto toca las áreas del cielo azul “mojado contra mojado”, por lo que los dos se mezclan en bordes suaves. Donde el azul o el gris se encuentran con el papel blanco, hay bordes duros. Moviéndome hacia abajo, trabajo en las áreas de color rojo claro que hice primero, que todavía están húmedas, dando principalmente bordes suaves.
05. El cielo terminado
Las nubes de diferentes colores añaden una sensación de profundidad.
Esta combinación de bordes es clave para una apasionante técnica de acuarela. Debes trabajar rápido, así que asegúrate de mezclar mucha pintura antes de comenzar. Es una buena idea practicar a pequeña escala, con trozos de papel de acuarela. Quería un par de nubes llamativas “oscuras contra claras” cerca de donde estará el barco de fondo, para ayudar a llamar la atención. Algunas marcas pueden parecer un poco austeras, pero nunca pierdas la fe en el cielo hasta que lo veas con tierra añadida.
06. Lavados de mar y playa
Trabajar desde el fondo hacia el primer plano.
Dibujo las formas principales de barcos, etc., sin apretar, con lápiz. Luego agrego el mar, en un azul similar al cielo y las nubes, agregando agua para diluir la mezcla más pálida a la derecha. Dejé que esto se seque antes de pintar la playa, comenzando a lo lejos y bajando hasta el primer plano, usando primero una mezcla de Rojo Claro con un toque de azul, luego Rojo Claro puro hacia el primer plano. Antes de que se seque, agrego algunas zonas más oscuras, rojo indio con ultramarino francés.
07. El barco principal
Construye tonos oscuros con pinturas espesas.
Mis técnicas son muy tradicionales, utilizando el blanco del papel y la transparencia del medio para captar la luz. Usando el pincel sintético tomo mezclas de pintura más espesas para obtener tonos más oscuros. Para ello, las pinturas para tubos son fundamentales. ¡Es muy divertido usar pintura muy espesa! No tengas miedo de quedarte a oscuras la primera vez. La acuarela se ve más fresca si no aplicas más lavados de los necesarios para crear tono.
08. Tomando forma
Asegúrate de que el barco y la sombra coincidan.
La sombra está pintada con el mismo lavado que el casco del barco, por lo que parecen unificados. Los tonos oscuros fuertes realzan los tonos más claros y colocan el fondo en su lugar. Otros detalles del barco y del fondo están realizados de forma suelta, con la menor cantidad de pinceladas posible.
09. Trozos de cosas y sombras de fondo.
Los objetos están pintados con colores brillantes y temáticos.
Luego pinto la pila en primer plano, ¡sin preocuparme por lo que realmente es! Lo importante son los colores brillantes, que transmiten la idea de un aparejo de pesca. Hice un primer lavado para las cestas de la izquierda, usando pinceladas libres, rápidas y aleatorias para sugerir su forma. A continuación, una capa de gris cubre toda el área del fondo, poniéndola en sombra para atraer la atención con mayor contraste.
10. Agregando en detalle
Las pinceladas experimentales dan una fuerte sensación de textura.
A continuación agrego marcas que sugieren detalles: algunos puntos, algunas marcas de pincel seco (arrastrando rápidamente un pincel de costado) y un poco de salpicadura juiciosa. Salpicar es cuando arrojas manchas de pintura desde tu pincel golpeándolo contra tu otra mano mientras lo sostienes sobre el papel. En esto menos es más. Hice la línea desde el bote usando la punta puntiaguda del cepillo sintético, lo sostuve en alto por el mango y lo deslicé desde la muñeca.
11. Pastos de playa y más
Los objetos se reorganizan para equilibrar la composición.
Muevo la sección de pasto de playa de la foto hacia donde mejor equilibra la composición de la pintura. Nuevamente se trata de formas aleatorias, lo que permite que los colores clave turquesa y naranja se mezclen con la vegetación. Paso un par de marcas lineales con la uña. Esto revela el papel pálido subyacente y se puede hacer con pintura relativamente espesa, cuando apenas comienza a secarse. ¡Darle una oportunidad!
12. Toques finales
No refines demasiado los detalles
Para completar la escena, agrego un poco más de detalle aleatorio a las cestas de la izquierda, pongo algunos pájaros distantes en el cielo y pongo una gaviota descarada en el barco principal, para darle un toque clave de interés focal. Cuando esté todo seco, elimino las líneas del lápiz con una goma de masilla. Apunta a lo fresco y suelto resistiendo los detalles y manteniendo la vista en el panorama general.
Este artículo fue publicado originalmente en Pintar y dibujar número 1 de la revista. Cómpralo aquí.
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