La fotografía en el diseño puede ser más impactante que los gráficos o la ilustración, ya que comunica el mensaje con una sensación de realismo y, a menudo, también tiene más impacto visual. Sin embargo, cuando su diseño incluye fotografías, algunos aspectos clave pueden perderse en la creación. En esta publicación, once diseñadores destacados comparten su sabiduría sobre cómo maximizar el poder de la fotografía en el diseño.
Si todavía tienes dificultades para decidir si quieres usar fotografía o ilustración para tu proyecto, tenemos una guía útil para ayudarte a decidir sobre nuestras 5 razones para usar fotografía en tu publicación de diseños. O echa un vistazo a estos sitios web de fotografía para obtener una gran inspiración.
Consulte nuestra hoja de trucos de fotografía para obtener ayuda y, para obtener consejos específicos sobre cómo tomar retratos, consulte nuestra guía de fotografía de retratos.
01. Guarda malas fotografías
Fotografía de comida realizada por Made by Parent (Crédito de la imagen: Hecho por los padres)
Chris Harman, fundador de Made by Parent, aconseja: “A veces te presentan malas fotografías para un proyecto de diseño, lo que suele ser un obstáculo para el diseño final. Creo que crear versiones monótonas/duotónicas de las fotografías puede ayudar a cambiar una mala imagen”. en algo mucho más utilizable”.
“Para darle un giro visual interesante a esto, guarde la imagen como un GIF de uno o dos colores para obtener un efecto de matriz de puntos realmente agradable”.
02. Utilice más que Brillo y Contraste
Harman señala que “las herramientas Brillo y Contraste son a menudo los únicos ajustes que hacen los diseñadores cuando buscan mejorar los colores y la nitidez de una imagen. Acompáñelo con el uso de la herramienta Enfoque inteligente para agregar definición y profundidad”.
03. Déjalo respirar
James Kape recomienda dejar que tus diseños respiren con espacios blancos (o en este caso azules) (Crédito de la imagen: James Kape)
“Para mí, uno de los elementos más importantes a considerar cuando se trabaja con fotografía en diseño es el uso apropiado del espacio en blanco”, dice James Kape, director y cofundador de OMSE. “Siempre debe quedar algo de espacio en la página para evitar que el trabajo se abarrote.
“Aunque parezca obvio, a veces puede ser el elemento más difícil de conquistar”.
04. No lo pienses demasiado
“Seleccionar qué toma utilizar puede ser a menudo la etapa del proceso que consume más tiempo, especialmente cuando puedes tener más de 100 fotografías aparentemente idénticas para elegir”, aconseja Kape.
“Intenta no pasar horas deliberando: a menudo tus primeros pensamientos son los que tienen más sentido.”
05. Déjalo ir para darle un puñetazo.
Pierde detalles de la imagen de fondo, dice Guillén (Crédito de la imagen: Mauricio Guillén)
El artista Mauricio Guillén dice que cuando usas una imagen como fondo de tu diseño, debes intentar perder detalles. Si te vuelves más oscuro y borroso, tus fuentes y diseño resaltarán y tendrán mucho más impacto.
Tu imagen no se verá afectada si eres sutil, porque el cerebro del lector compensa los detalles que faltan.
06. Nunca asumas lo básico
Guillén cree que siempre hay que comprobar lo básico. Explica: “Asegúrate siempre de comprobar la resolución de tus imágenes cuando trabajes con fotografía en diseño. Los nuevos fotógrafos piensan que en el mundo digital todo se hace en automático. No lo es”.
“Si es posible, trate de hablar con el fotógrafo con anticipación para asegurarse de que ambos estén en sintonía en lo que respecta a los aspectos técnicos”.
07. Dibuja y luego aléjate
Seednine diseñó la revista Poor but Sexy (Crédito de la imagen: Seed9)
“Cuando tengo que hacer un trabajo de diseño que involucra fotografía y texto, comienzo con algunos bocetos preliminares de cómo imagino que se verá la página con los elementos”, dice Ingrid Jones, artista y cineasta multidisciplinaria, y co-directora. fundador de Seednine.
“Luego me alejo del proyecto y salgo en busca de inspiración. Puede ser un museo, una galería, una librería o cualquier lugar donde haya un trabajo visual que despierte mi interés. Me doy la oportunidad de entusiasmarme con el diseño, entonces empieza.”
08. Utiliza la emoción
Jones cree que “la fotografía tiene un componente emocional” y aconseja “seleccionar imágenes que te hagan detenerte, no necesariamente por su valor impactante, sino porque se conectan con tu tema o historia”.
“Por lo general, hago dos o tres versiones diferentes de un diseño antes de llegar a la apariencia que busco. El truco está en no diseñar demasiado. Edítelo usted mismo y recuerde KISS: Keep It Simple, Stupid”.
09. Conoce los límites
Johnson Banks eliminó digitalmente las manos y los pies de las fotografías para convertirlos en sellos para un conjunto de sellos de Great British Fashion (para Royal Mail en 2012) (Crédito de la imagen: Johnson Banks)
El cofundador de Johnson Banks, Michael Johnson, analiza la legalidad del uso de la fotografía en el diseño y explica las restricciones:
“Bueno, nos encantaría poder recortar imágenes más de lo que podemos, pero a veces existen restricciones de derechos de autor para recortar obras de arte. Cuando podamos, buscaremos los mejores recortes, los más ajustados y los más potentes. Pero con un Picasso, no puedes recortar nada.”
10. No olvides tu pegamento
“Cuando tienes varias imágenes en un solo diseño, tienes que seguir buscando una manera de que funcionen juntas, o tendrás que intentar incorporar otros elementos”, dice Johnson.
“Cuando se trata de imágenes de estilos 'artísticos' dispares, los otros elementos (símbolos, tipos de letra, colores, etc.) se vuelven realmente importantes como pegamento visual”.
11. Amplia las imágenes
Fotografía para la casa Shumiatcher de Leslie Van Duzer mercadeo de libros (Crédito de la imagen: Estudio Circular)
Pablo Mandel, diseñador de libros, director de arte y director de Circular Studio ofrece su perspectiva sobre el tamaño de la imagen: “Si el cliente no tiene un departamento de marketing interno, probablemente necesitará dedicar mucho tiempo a buscar el tamaño adecuado”. imágenes de gran tamaño, ayudándoles a buscar en sus archivos”. Sugiere invertir en software para ampliar imágenes sin perder calidad.
“Yo uso Genuine Fractals: si la imagen es de gran calidad, este software te permitirá hacer grandes ampliaciones con resultados aceptables.”
12. No confundas el ojo
“Cuando se trabaja con imágenes arquitectónicas, por ejemplo, desde el punto de vista del diseño, tiene sentido no juntar tomas de día y de noche, ya que confunde al lector, a menos que estés comparando la misma vista del edificio durante el día y la noche, por supuesto”. Mandel aconseja.
13. Sea audaz
Fotografías atrevidas de Six para el Roger Dubois Aventador S (Crédito de la imagen: Hecho por Six)
John Kariolis, propietario y director creativo del estudio de diseño Six, cree que hay que ser audaz en la forma de crear diseños.
“Sea creativo con imágenes que no sean de muy alta resolución o que hayan sido mal tomadas. Edite, recorte, manipule o convierta a blanco y negro (o duotono) cualquier imagen que no tenga la calidad deseada.
“E imprima sus diseños a tamaño completo: no siempre se puede garantizar que lo que se ve bien en la pantalla se verá bien en la página”.
14. Tómate tu tiempo
“No empieces a diseñar hasta que tengas todas las imágenes que sabes que vas a utilizar. La calidad, el tamaño y el tema bien pueden dictar la dirección del diseño en su conjunto”, dice Kariolis.
“Del mismo modo, trate de evitar recortar una imagen en Photoshop antes de colocarla en su diseño. Si usa InDesign para recortar la imagen, es mucho más fácil adaptarla sobre la marcha para adaptarla al diseño a medida que avanza”.
15. Ir a disparar
Garavin sugiere estar en el rodaje para asegurarse de obtener lo que desea. (Trabajo de New Graphic para Arts & Disability, Irlanda) (Crédito de la imagen: nuevo gráfico)
“Los buenos fotógrafos facilitan el trabajo del diseñador, pero si las fotografías se van a combinar con la tipografía más adelante, siempre es bueno estar en la sesión para conseguir realmente lo que necesitas”, afirma Dave Garavin, cofundador de la firma de diseño estratégico New Gráfico.
“¿Por qué? Las fotografías geniales sin espacio para texto, o donde el texto pelea con la imagen, generalmente no son un gran diseño”.
16. Sea flexible
“A menudo utilizamos cuadrículas para nuestros diseños, pero a veces las fotografías exigen su propio espacio individual. Rompe la cuadrícula.” dice Garavín.
17. Tener una opinión
La fotografía de Morgan para Louis Vuitton (Crédito de la imagen: Jamie Morgan)
“Como fotógrafo”, dice Jamie Morgan, “creo que un director de arte realmente bueno me ayudará a elegir la imagen correcta, una que tenga la forma adecuada para el diseño. Puede que no sea la mejor fotografía desde mi punto de vista”. , pero es lo mejor para el trabajo.
“Se ajusta a su visión. Siempre hay cinco o seis opciones, y es una cuestión de opinión cuál funciona mejor, y un buen director de arte siempre tendrá una opinión muy firme”.
18. No escatimes en el encargo del fotógrafo.
“Si mi director de arte tiene un diseño en mente, trabajo en torno a él. Hay muchas cosas prácticas a tener en cuenta, como el recorte correcto, etc.”, sugiere Morgan.
“Si va a haber mucho tipo, no puedes tener un fondo ocupado, o si es para un DPS, tienes que asegurarte de que el sujeto esté en un lado de la extensión. Necesito saber todo eso en avance.”
19. Adaptarse y superarse
Calderly recomienda unificar las tomas de prensa creando un duotono con negro y gris. (Crédito de la imagen: Terapia gráfica)
El fundador y director creativo de Graphic Therapy, David Calderly, recomienda que aprendas a adaptarte.
“Cuando trabajas para algunos de los sellos discográficos independientes más pequeños, puedes enfrentarte a la introducción inesperada de las 'tomas de prensa'. He aquí una forma de unificar dichas tomas: una vez que hayas realizado la cirugía y el retoque, crea un duotono con negro. y un gris PMS claro.
“Elimine la mayor parte del negro de los tonos más claros y auméntelo en las áreas más oscuras, y luego guarde el ajuste preestablecido en caso de que necesite más en el futuro. Tome sus imágenes bitono y conviértalas a CMYK, agregando finalmente solo una pequeña cantidad de ruido para imitar el grano de la película.
“Ahora tiene una maravillosa impresión en blanco y negro a cuatro colores que complementa sus otros gráficos y se puede aplicar a diferentes tomas tomadas por diferentes fotógrafos, haciendo que parezcan todas de una sola sesión”.
20. Aprende las reglas
“Hay que saber, por ejemplo, que las fuentes monotipo son menos legibles en las imágenes que las tipografías serif o sans-serif”, dice Xavier Erni, cofundador del estudio de dirección de arte y diseño gráfico Neo Neo.
“Si usas monotipo para textos largos, tu diseño será menos legible, así que si lo haces, asegúrate de que ese sea el efecto que buscas”.
Pero no se atengan demasiado a ellos, añade.
“En el diseño gráfico suizo, las reglas y las cuadrículas suelen ser muy estrictas. Intentar cumplir constantemente con estas reglas puede hacer que el diseño sea un poco monótono y eso no es lo que quieres. A veces debes saber cómo ser creativo para eludir las reglas. usar letras grandes en una imagen para hacerla ilegible”.
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