La tarea principal de un artista de entornos de desarrollo visual que trabaja en animación es conceptualizar, diseñar y ejecutar un mundo creíble en el que vivan los personajes. Pero el éxito de estos conceptos de entornos no depende únicamente del nivel de habilidad de dibujo del artista: es todo el paquete que hace que el producto final funcione eficazmente.
El desarrollo visual es simplemente la evolución visual desde una idea hasta el producto final. Por eso es crucial que la composición estructural de las obras de arte en desarrollo ocurra en este orden: concepto, diseño, técnica. Pensar que la técnica es la clave del éxito de una obra de arte es equivocarse por completo.
Estos son mis consejos clave que apuntan hacia un proceso exitoso en la creación de conceptos y composiciones sólidos para la animación.
01. Arte conceptual = concepto + arte
Aquí el protagonista principal es una necesidad de diseño; el secundario es un deseo de diseño
El arte conceptual no se trata sólo de la epopeya o su hermosa ejecución. Es una obra de arte que surge de un proceso de diseño, bien arraigada en una idea que respalda la historia. La prioridad del concepto se puede identificar así: necesidades y deseos. Primero hay que conceptualizar lo que necesita la historia. Luego, el artista proporciona sus deseos de diseño que se centran y respaldan la historia.
Entonces, en la imagen de arriba, la necesidad de esta imagen es diseñar un hada asiática y su entorno mágico. Un segundo carácter es una necesidad de diseño, para ejemplificar la escala y el tamaño. La elección del diseño del personaje secundario crea una afinidad relacional y familiaridad entre los dos.
02. Haz una investigación dinámica
Dibuja mientras investigas para no ahogarte en el material de referencia.
La investigación genera autenticidad en la evolución del diseño, desde el concepto hasta el producto final. De manera similar al viejo dicho de conocer primero las reglas antes de poder romperlas, tengo que aprender qué es real antes de poder diseñar o rediseñar un objeto o entorno.
La investigación da una visión de la funcionalidad. Lo que lo hace dinámico es cuando empiezo a dibujar y crear miniaturas mientras investigo. Esto evita que me atasque en el material de referencia. Confío en mis instintos artísticos cuando logro un objetivo de diseño a partir de materiales de referencia, dejo de buscar más y empiezo a dibujar. Mi enfoque hacia el diseño mejoró al hacer esto.
03. Piensa dentro de la caja
Una versión original y original de la historia del Titanic
Como artistas de desarrollo visual y diseñadores conceptuales, siempre se nos dice que pensemos fuera de lo común. Pero creo que esto sólo es posible si el diseñador sabe lo que hay dentro de la caja. Y no sólo saber qué hay dentro, sino también entender cómo funcionan esos objetos que hay dentro de la caja.
A lo largo de los años, he aprendido a no salirme de la caja si lo que hay dentro todavía funciona. Al final del día, lo que influye en sus elecciones de diseño es cómo se puede contar la historia/idea de manera más efectiva, no si es una idea segura o “existida”.
Estos breves bocetos me dan dos trampolines para volver a contar la historia del Titanic. La primera imagen es la traducción del interior de la caja, con una narrativa literal de su actual situación submarina. Alternativamente, puedo optar por la opción innovadora creando una imagen yuxtapuesta de su supuesta descripción y su situación actual, encapsuladas en un escenario clásico de barco en una botella.
04. Diseñar libremente
Diseña con tu brazo pero dibuja con tu muñeca.
Una disciplina clave que he aprendido a lo largo de los años es diseñar con el brazo y dibujar con la muñeca. Hay un equilibrio dinámico de libertad y control en mi muñeca, y un equilibrio dinámico de libertad y control al encontrar el lenguaje de diseño correcto cuando el brazo se mueve libremente. Cuando me vuelvo perezoso y pierdo el brazo, la obra de arte tiende a ser estática y sin vida.
Estas imágenes pertenecen a un proceso de demostración de 90 minutos en un taller en vivo. El lienzo de 18×24 pulgadas me dio una buena flexibilidad en los brazos. Luego tomé una foto de iPhone de alta resolución y transfirí el archivo a Photoshop para obtener valor y color.
05. Entender la composición
La perspectiva, la puesta en escena y el valor son claves para una buena composición.
Familiarizarse con la composición es vital para la solidez estructural del diseño. Composición no es sólo un término independiente que simplemente describe una disposición de formas y figuras. En cambio, comprenda que la composición es perspectiva, valor, puesta en escena y color dispuestos armoniosamente para contar la historia o idea de manera más eficiente.
La perspectiva es la ubicación de la cámara y el tipo de lente que se utiliza. El valor traduce la aplicación de la iluminación. La puesta en escena es la disposición de diferentes elementos en el lienzo utilizando la combinación de formas, tamaños y superposiciones, creando profundidad, dimensión y equilibrio. El color es la armonía de paletas y temperaturas.
06. Usa la perspectiva
Un plano alto sugiere invencibilidad, fuerza, confianza y liderazgo, un plano a la altura de los ojos da una percepción de normalidad, neutralidad y es identificable, y un plano bajo sugiere vulnerabilidad, debilidad, peligro y soledad.
La perspectiva tiene un fuerte efecto psicológico en la percepción de los espectadores. Arriba, varias ubicaciones de la cámara del mismo sujeto y entorno dan diferentes percepciones al espectador. El punto de vista son los ojos del público.
07. Juega con la percepción del espectador.
Mi idea original para esta imagen era colocar al sujeto masculino a la misma distancia de la cámara, pero justo debajo de la dama en el puente. Sin embargo, esto dio la impresión de que ya había llegado a su destino. Así que lo moví un poco hacia la izquierda. Dio una pista de que no ha completado su viaje, pero está a punto de llegar a su destino muy pronto. También ayudó a crear una percepción de movimiento en la pintura.
La estética visual es el estudio de cómo interactúan los elementos compositivos (valor, perspectiva, puesta en escena y color) y las reacciones del público ante ellos. No basta con comprender la composición y esperar ser narradores visuales eficaces. Más bien, es importante comprender la percepción: cómo reacciona el público ante la composición.
El uso inadecuado de la composición dará como resultado una percepción selectiva de la audiencia. La percepción selectiva da como resultado un contexto selectivo. Y el contexto selectivo significa que la audiencia tendrá diferentes interpretaciones de la historia/idea. Con el uso adecuado de la estética visual, las elecciones compositivas se vuelven intencionales y direccionales hacia la percepción deseada.
Cuando el artista controla la visión selectiva, el mensaje visual se vuelve subjetivo. Subjetivo significa percepción controlada. La percepción controlada da como resultado un contexto controlado, y esto significa que la audiencia tendrá una interpretación singular de la idea de la historia.
08. Conoce las reglas del valor
Tu composición de valores determinará el éxito de tu composición de color.
El valor es la claridad u oscuridad de un color. Cada color tiene un valor correspondiente y esa luminosidad u oscuridad depende de la cantidad de iluminación aplicada al color. Las tres reglas importantes de valor son:
Controla los puntos focales, generalmente el área más brillante, el mayor contraste o cuando un valor predominante encierra un valor opuesto. El valor da la ilusión de una forma tridimensional, cuando muestra la superficie que recibe la luz y la superficie bajo las sombras. El valor crea la ilusión. de profundidad (alterar el rango de luz y oscuridad crea distancia)
La percepción del estado de ánimo o la emoción de la historia que se cuenta en el lienzo se establece mediante la iluminación aplicada traducida en valores. El éxito de la composición del color depende de la composición del valor.
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